ミュージカル
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ミュージカル（英語：musical）は、音楽、歌、台詞およびダンスを結合させた演劇形式。ユーモア、ペーソス、愛、怒りといったさまざまな感情的要素と物語を組み合わせ、全体として言葉、音楽、動き、その他エンターテイメントの各種技術を統合したものである。ミュージカルとはミュージカル・シアターの略語で、ミュージカル・プレイ、ミュージカル・コメディ、ミュージカル・レビューの総称である。
概要
ミュージカルは、通常の演劇ストレートプレイの中に演出として劇中歌が入っているものとは異なる。
芝居、歌、ダンスがそれぞれ独立したものでなく、一体となって劇的効果を高めているのがミュージカルの特徴である。 全編を通じて一貫したストーリーが進行するブックミュージカルと、ストーリーが無いブックレスミュージカル（またはコンセプトミュージカル）がある。通常ミュージカルと言えば、大半はブックミュージカルを指す。代表作としては、『マイ・フェア・レディ』、『屋根の上のヴァイオリン弾き』、『サウンド・オブ・ミュージック』、『ショウ・ボート』、『キス・ミー・ケイト』、『エニシングゴーズ』などがある。ブックレスミュージカルの代表例としては『CATS』や『コーラスライン』などがある。
台詞も全て音楽に乗せて歌うオペラ形式のミュージカルもあり、こちらはポップオペラというジャンルと重なる。代表的な作品に『オペラ座の怪人』や『ジーザス・クライスト・スーパースター』、『レ・ミゼラブル』、『ミス・サイゴン』がある。
またミュージカルは舞台以外のメディア（映画、テレビ、テーマパークにおけるアトラクションなど）上で展開されることも大きな特徴である。まだ比較的新しい演劇形式である為、その方向性やスタイル、音楽においては、定まった形式が決まっておらず、聾唖者の手話やパペットを取り入れたり、前衛的な試みがいつも行われており、素晴らしい成果を上げている。ミュージカルという演劇形式そのものに自己言及する傾向があるのはミュージカルの大きな特徴である。いわゆるバックステージものと呼ばれる作品がミュージカルには多い。
ミュージカルは上演形式としては一幕または二幕からなる。 ダンス・歌唱・楽曲の各要素の比率や構成には特に定まった形式はなく、レビューのように踊り中心のものから、ストレートプレイに近いものまで、さまざまな形式の作品がある。
台詞や歌のないダンスのみで構成された作品や、サーカスのような他の作品との融合、シェイクスピアなどの古典劇のミュージカル化など、様々な形式のミュージカルがある。 舞台で上演するほかに、ミュージカル映画としても数多くの作品がある。たとえば『サウンド・オブ・ミュージック』、『南太平洋』、『踊る大紐育』が代表的な例であり、主としてメトロ・ゴールドウィン・メイヤースタジオが製作を手がけた。またディズニーも長編アニメーションでミュージカル作品を多数作っており、実写とアニメーションを合成した『メアリー・ポピンズ』のような異色作も製作している。これらのミュージカル映画は舞台作品を映画化したものと、映画のためにオリジナルの作品を新たに作るものとの二種類がある。
近年では、逆に有名な映画作品を舞台ミュージカル化する例（『イーストウィックの魔女たち』、『ナイン』、『ヘアスプレー』、『ザナドゥ (映画)|ザナドゥ』など）も見られるようになった。
また、最近では、既存のヒット曲をつないでミュージカル化した、いわゆるジュークボックス・ミュージカルという形式も流行していて、『マンマ・ミーア!』（ABBA）や『ウィ・ウィル・ロック・ユー』(クイーン)などが代表的である。
その他、コンピューターゲームの分野においても『マール王国の人形姫』シリーズの様に、ミュージカルの要素を取り入れた作品が試みられている[1][2]。
ミュージカルの歴史
ミュージカルの形成は、以下のような流れを経ている。パリで演じられていたオペラ・コミックを発端に、『地獄のオルフェ』（天国と地獄）を作曲したジャック・オッフェンバックに影響を受けたヨハン・シュトラウス2世がウィーンでオペレッタ（ウィンナ・オペレッタ）を発展させた。それがベルリンオペレッタで近代化し、さらにハーバート、フリムル、ロンバーグらがアメリカに持ち込んでニューオーリンズで行われていたショーとなり、ミュージカルが誕生したと言われる。第1次世界大戦後のオペレッタ作品とミュージカルを厳密に峻別することは困難だが、前者の、オペラ発声の歌手、クラシック編成の管弦楽団、バレエダンサーによる舞踊、ドイツ語歌詞といった要素が、後者の、地声による自由な歌唱と一体化したダンス(歌手とダンスを分担しない)、打楽器を多用した自由なバンド編成、英語歌詞といった形へと置き換えられていった。ベルリンオペレッタやロンバーグのミュージカルなど、過渡的な形態のものも少なくない。また、オペラとミュージカルの両方を書いているレナード・バーンスタインは、歌によってドラマが進行するのがオペラで、ドラマの結果としての感情を歌に託するのがミュージカルと定義しているが、これもひとつの説にすぎない。
構成
ミュージカルは通常の場合、15分程度の休息を挟んだ2幕構成であり、上演時間は2時間から3時間ほどである。まれに1幕構成の作品がある。
出演者は小規模な作品では1人から4人程度だが、大規模な作品になると40～50人にもなる。コストを圧縮するために、1人で何役も演じるアンサンブルもしくはノーボディーと呼ばれる俳優がいることが多い。
音楽はオーケストラやバンドによる生演奏が基本だが、日本では興行的な問題などで劇団四季の様にしばしばテープによる演奏が行われる。通常は舞台下または舞台手前に設けられたオーケストラピットで演奏されるが、演出によっては舞台上に設定されたり、俳優に混じって演技の一部として演奏することがある。
興行形態
アメリカ、イギリス
ブロードウェイやウエスト・エンドでは、上演が始まると客足が落ちて収益が見込めなくなるまで興行が続けられる。そのため、ヒットした作品は何年でも上演を続けられ、数年、数十年に及ぶロングランとなる作品も少なくない（ → 最長連続上演記録については「ロングラン公演」を参照）。逆に失敗作であれば数日で容赦なく打ち切りとなる。
新たな作品の制作には短くても1年以上の期間をかけることが多く、カンパニーと呼ばれる単位でミュージカルを制作する。プロデューサーが企画を立てて出資者を募り、オーディションで出演者を選抜してカンパニーを構成する。実力がありさえすれば新人でもオーディションに合格することができるので、一夜にして無名の新人が大スターになることもある。逆に名声の確立した大スターであっても役のイメージに合わなければ採用されない。舞台装置は作品ごとに専用のセットと音響装置を舞台に作りこむのが普通で、劇場の設備を使用することはほとんどない。
ブロードウェイ・ミュージカルの場合、まずトライアウトと呼ばれる地方公演で観客の反応を見ながら作品の手直しを行う。時には曲や演出の大幅な変更、スタッフ、キャストなどの大幅な入替えを行う。ヒットしそうな作品に仕上がるとブロードウェイでの上演を行う[3]。これとは別に、オフ・ブロードウェイまたはオフ・オフ・ブロードウェイと呼ばれる小規模な劇場で実験的に上演し、好評であれば次第に大きな劇場に移るやり方もある。
ブロードウェイでヒットすると、オリジナルのカンパニーとは別に巡業用のツアーカンパニーを組織し全米各地で巡業を行ったり、シカゴやトロント、ロサンゼルス等の大都市でロングラン公演が行われることも多い。また、ワールドツアーカンパニーを組織して世界各地を従業して回ることもある。
日本
日本では、ミュージカル公演は劇団四季、宝塚歌劇団、ふるさときゃらばん、音楽座ミュージカル／Rカンパニーなどに代表される劇団形式と東宝、ホリプロなどの製作会社によるプロデュース方式が混在している。また、製作のほとんどが東京を中心とする首都圏か大阪を中心とする関西圏（宝塚歌劇団など）で行なわれている。
劇場の契約が月ごとのため、毎月演目が変わるレパートリー上演が主であり、専用劇場を持つ劇団四季以外はロングラン上演方式を採用していない。どんなに大ヒットしても1ヶ月でクローズするので、1ヶ月分以上の収益を見込めず、できの良い作品が高い収益を継続的に生み出すことが難しい形態となっている。また、上演し続けることで手直しを加えながら完成度を高めていくことも難しいため、自然と事前に集客力を見込める、知名度の高い既存のスターを中心とした座長芝居やブロードウエイやウェストエンド作品になりがちで、個人客よりも安定した動員を見込める団体客による集客も営業上重要になる。英語が国際用語であるのでネイティブでない外国人も英語を理解できる事もロングランを可能としている米英と違い（レ・ミゼラブルがフランス語で創作されたのに、英語化されてミュージカルとして成功したのも英語の集客力にある。）、日本語が国際用語でないのでロングラン公演を可能とする丈の集客力が無い、日本の観劇人口が少なく（一説によればコンサートも含めても日本人の100人に1人（日本全国で100万人）を各公演が奪い合う状態）、ストレートプレイでないミュージカルになじみの無い観客には敷居が高い偏見も日本でのロングランを不可能にしている。
また地方公演では、地方公共団体のホールの貸出規則が厳しく、ロングラン公演はおろか月単位での公演を行うのも難しい。
- 日本のミュージカル劇団
- 劇団スイセイ・ミュージカル
- Rカンパニー（音楽座ミュージカル）
- ふるさときゃらばん
- 劇団四季
- 宝塚歌劇団
- OSK日本歌劇団
- ジュニアミュージカル
- アルゴミュージカル
- 南青山少女歌劇団
- 東宝
ミュージカルから生まれたヒットソング
ミュージカルの中のナンバーが作品を離れて、ヒットソングとなることがある。『ラ・マンチャの男』の「見果てぬ夢」はさまざまな歌手によってカバー版が歌われた。『CATS』の「メモリー」は作品よりも先に世界的なヒットとなり、『ジキル&ハイド』の「今このとき」は1992年アルベールビル冬季オリンピックの公式テーマ曲に選ばれた。『わたしを野球につれてって』のタイトルナンバー「わたしを野球につれてって」はアメリカのメジャー・リーグの7回攻撃前に必ず球場で観衆が歌う事が慣例となっている。サッカーのサポーターソングとして知られる『ユール・ネヴァー・ウォーク・アローン』は、もともと『回転木馬』のナンバーである。また、『サウンド・オブ・ミュージック』からは多くのヒット曲が生まれ、「ドレミのうた」「エーデルワイス」「私のお気に入り」などは、さまざまにアレンジされてカバーされ、今やもともとのミュージカルを離れ、世界的にポピュラーな曲となっている。
日本では1960年に初演された「見上げてごらん夜の星を」のタイトルナンバーがヒットした例がある。
脚注
- ^ 「ソフトウェアカタログ > マール王国の人形姫」 - PlayStation.com(Japan)（2009年7月14日閲覧）。
- ^ 「日本一ソフトウェア、PSP用RPG『アンティフォナの聖歌姫』を発表!スタッフインタビューで気になるその内容に迫る!!」 - 電撃PlayStation ONLINE（2009年7月14日）。
- ^ 但し、脚本家の人格や自身の保有する著作権、脚本に起こされた諸設定等の遵守・尊重の観点から、アドリブの行使は固く禁じられている。